Dream Theater - Images And Words (1992)

En lo que al "metal progresivo" en los años 90 concierne, la banda estadounidense Dream Theater con su segundo trabajo, son una de las bandas más incidentes del genero que ahora nos convoca. Es el primer trabajo también, donde se dá a conocer el eximio vocalista James LaBrie.

Dream Theater se formó en el año 1985 en Massachusetts, en el Berklee College of Music of Boston. Allí era donde el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung y el baterista Mike Portnoy estudiaban. Este tridente se dedicaría a versionar covers de Rush y Iron Maiden.
Este primer embrión de Dream Theater se llamaría "Majesty". Poco tiempo después Petrucci recomendaría incorporar un tecladista, con lo cual convocarían a Kevin Moore compañero del mismo, a quienes se les sumaria también otro viejo conocido, Chris Collins como vocalista.
Durante buena parte del año 1986, Majesty hacia sus presentaciones moviendose en lugares de culto para el floreciente "metal progresivo", por sitios cercanos a New York, y también les posibilitó grabar "The Majesty Demos". A finales de ese mismo año , tendrían un común acuerdo de despedir al vocalista Chris Collins, quien seria reemplazado por Charlie Dominici.
Tras ser demandado por una agrupación de Las Vegas , Majesty combaría de nombre a Dream Theater. En 1988 con nueva formación, denominación y un sinumero de recitales alrededor de Nueva York en su haber, la banda conseguiría su primer contrato con la grabadora "Mechanic Records", para grabar su disco debut: "When Dream and Day Unite" de 1989. Este debut remarca las claras influencias de Iron Maiden y Rush. Pero no tendría la riqueza progresiva y el talento mostrados en otros trabajos .

Dream Theater se caracteriza por el virtuosismo instrumental de sus integrantes. Una cabeza visible es sin dudar el excelente guitarrista John Petrucci, quien también ha demostrado ser un gran letrista. En el mundo musical de Dream Theater nada esta librado al azahar y cada instrumento tiene su propio espacio, ninguno esta por encima de otro. Este aspecto convierte en una equilibrada banda progresiva, tal como debe serlo y en este caso alerta al oyente clásico del rock progresivo a considerar al heavy metal.
"Images and Words" se convertiría en un nuevo amanecer de la banda y el primer trabajo de alto nivel y de un valioso material. Para cuando se encontraban en pleno proceso de concepción , los integrantes ya habían prescindido de los servicios de Dominici, por demostrar limitaciones vocales ya en parte de la gira de presentación de "When Dream and Day Unite".
En el periodo de 2 años la banda se dedicó a componer nuevas canciones y probar con nuevos vocalistas. Es así que primero fué el turno de Steve Stone, quien solo gozó de la grabación de algunos demos y de solamente un concierto con Dream Theater. Justamente ese único concierto, marcó a fuego su paso funesto por la banda. En aquel recital se comportó de manera indebida bailando extrañamente e imitando jocosamente a Bruce Dickinson. Sin embargo Dream Theater continuó presentándose en vivo solo instrumentalmente hasta 1991. A comienzos de ese año, el vocalista canadiense Kevin James LaBrie, quien provenia de la banda de glam metal Winter Rose, audiciona para Dream Theater en Nueva York.
Su desempeño deja mas que conforme al resto de los integrantes. Con nueva productora ATCO Records (ahora Eastwest) y el ex Gentle Giant, Derek Shulman, Dream Theater firma contrato por siete discos. La ultima ficha del rompecabezas del nuevo Dream Theater fue LaBrie, así, la banda dedico los siguientes meses en grabar las voces de las maquetas instrumentales de "Images and Words" que ya poseían.

"Images and Words" no puede tener un comienzo mas prometedor. "Pull me Under" es una canción de 8:11, considerada como uno de los mayores aciertos de la banda, también a nivel comercial. Contiene una introducción en plan tranquilo para zambullirse en poderosos riffes heavies bien matizados por teclados. Sólida por donde se la mire, con firmes bases de bajos y el trabajo de Portnoy en batería es abrumador (en un momento de pleno énfasis de la voz la batería le gana terreno) y un pegadizo estribillo. Tiene todos los elementos para describir lo que es el "metal progresivo". La letra de la canción se basa en "Hamlet" de William Shakespeare. La misma enaltece los sentimientos de venganza por la muerte de su padre por parte del personaje en cuestión y la locura que acecharía al mismo. Al final de la canción apreciamos como LaBrie canturrea extensamente y casi camufladamente versos extraídos de la mismísima obra de Shakespeare: "Oooooh that this too, too solid flesh would melt..." (Oh esto es muy, muy sólido que la piel se puede derretir). Justamente al terminar esa ultima palabra ("melt") la canción se corta bruscamente, como para demostrarnos la repentina y inesperada naturaleza de la muerte. Un final realmente tan simple y tan poco convencional: rasgos de genialidad .

Pero como un ave fénix aparece "Another Day". Una canción con dos caras. Una tierna y bellisima balada que va creciendo hasta ponerse en plan heavy metal. Letra escrita por John Petrucci, trata de la lucha de su padre contra el cáncer. La elegancia que le brinda el saxofón ejecutado por Jay Beckenstein es determinante. Los exquisitos trabajos vocales de LaBrie son impecables y el trabajo de guitarras de Petrucci, tanto en el riff como en el coronante solo, hace de "Another Day" todo un clásico de Dream Theater. Una canción para escucharla todos los días.

Con fragmentos de composiciones de todos los integrantes (menos de LaBrie) "Take the Time" aporta una fuerte cuota al álbum. Se destacan en buena parte los teclados de Moore, tanto en synths como en el piano, pero mas que nada el excelente aporte de Myung al bajo. La letra refiere a ese momento tortuoso, pero fructuoso al final, que fue para la banda la búsqueda de un cantante que cuaje con sus aspiraciones.

Compuesta por el tecladista Kevin Moore, "Surrounded" comienza con una introducción de teclados y synths que acompañan a la voz. Luego el tema se transforma en un pop/rock con toques progresivos.

Con "Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper" Dream Theater sin duda confirma su magistralía. De neto corte épico y fantástico es una mini suite de de 9 minutos y medio donde se demuestra todo el talento de cada uno de sus integrantes al ejecutar de manera compleja sus instrumentos y en conjunción. La canción explora varios géneros desde obviamente el metal progresivo hasta convive con aires jazz-rock al estilo "Chick Corea Electric Band". Para su concepción John Petrucci se basó en la historia de un vinculo telepático entre Ròmulo y Remo, pero los gemelos se llaman Miracle (Milagro) y Sleeper (Soñador). Es una de las canciones más aclamadas por sus fans junto a la suite épica también "A Change of Season". La Parte 2 de "Metropolis" iba a ser una canción de 20 minutos que se incluiría en "Falling into Infinity" de 1997, pero finalmente decidieron que seria mas que eso, un álbum conceptual entero: "Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory" (1999).
"Under a Glass Moon" es uno de los tracks mas heavys del disco. Contiene un impresionante solo de Petrucci. Esta posicionado en el puesto #98 en la lista de los 100 mejores solos de guitarra.

La bellísima y melancólica "Wait for Sleep" es un dueto entre, la voz de LaBrie y el compositor, que es Kevin Moore que sin duda alguna aportó muchisimo desde la composición .

Otra buena conjunción entre todos los instrumentos se dá en "Learning to Live".Por supuesto con una estructura dinámica desde el comienzo y algo inusual. El riif de guitarras eléctricas es inolvidable, una vez mas influenciados por el jazz rock y sin olvidar finos tramos de la acústica. LaBrie utiliza su voz como un instrumento mas. Comienza a cantar sin letra acompañado al fuerte climax de la canción. Y ya llegando al final, la banda nos regala un reprise de el anterior tema, "Wait for Sleep". La letra habla de la epidemia del SIDA. Algunas cosas son sacadas del libro "La rebelión de Atlas" Ayn Rand. Otras mas esperanzadoras sobre el tema en cuestión pueden apreciarse en el final: "The way you heart sounds makes all the diference...", es decir: "La forma en que tu corazón suena hace toda la diferencia..."

De la mano de "Pull Me Under" y de una extensa gira por EE.UU y Japón. "Images & Words" logró ser disco de oro y platino en estos dos países, respectivamente. Luego vendría la gira por Europa de 1993 archivada en video en el legendario Marquee jazz club de Londres (Live at the Marquee)."Pull Me Under" un gran hit de los 90 y el mas exitoso de la banda que se vio realmente sorprendida ante esto ya que imaginaban que el verdadero hit seria "Another Day". MTV se encargo de popularizarlo, algo realmente gratificante teniendo en cuenta esos primeros años de los 90 donde bandas como Nirvana, Guns N Roses o Metallica con su gran "Álbum Negro" afloraban en el panorama rockero.

Dream Theater, por supuesto que siguió en su cruzada de aportar excelentes trabajos para el llamado "metal progresivo" como por ejemplo el siguiente trabajo (y ultimo con Moore) "Awake". También Dream Theater se caracterizo en lanzar los llamados "Internatinal Fan Club CDS" o los EPs . Uno de los EPS mas conocidos es "A Change of Season", donde se encuentra la suite homònima y el resto una especie de homenaje en vivo a influencias de la banda. A saber :Elton John, Led Zeppelin, Pink Floyd, Queen, Genesis, Kansas entre otros.
Los tres miembros que hoy en día se mantienen vigentes son: LaBrie, Petrucci y Myung. Desde la salida de Kevin Moore en 1995 han cambiado varias veces de tecladista. El ultimo en salir fue Mike Portnoy en 2010, quien fue reemplazado por Mike Mangini, a quien algunos se han tentado en llamarlo el mejor baterista que existe en la actualidad.



Lista de Temas:

1. Pull Me Under
2. Another Day
3. Take The Time
4. Surrounded
5. Metropolis, Pt. 1: The Miracle And The Sleeper
6. Under A Glass Moon
7. Wait For Sleep
8. Learning To Live


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Video oficial de "Another Day"




Metropolis, Pt. 1: The Miracle And The Sleeper (SCORE: 20TH ANNIVERSARY WORLD TOUR LIVE WITH THE OCTAVARIUM ORCHESTRA, 2006)

Los Visitantes - Espiritango (1994)

Tras disolver la agrupación Don Cornelio (post "Y la Zona"), el excelente e  injustamente mal valorado compositor y cantante Roberto "Palo" Pandolfo forma Los Visitantes, banda con vestigios de los ochentas de Don Cornelio , pero con una impronta mas aggiornada a los 90´s con una mirada al futuro. El sonido de Los Visitantes es una mezcla de sonidos latinos, rock, algo de punk, pop, new wave, folclore argentino y  tango con todas sus vertientes.

En principio Los Visitantes eran: Palo Pandolfo (voz y guitarra), Jorge Albornoz (batería, percusión y coros), Federico Gahzarossián (bajo y coros) , Karina Cohen (coros) y Daniel Delhom (teclados y máquinas). En seguida el suplemento "Si" del diario Clarín , los condecora como "Banda Revelación" del año 1992. con todo esto ingresan a grabar su primer gran trabajo: "Salud Universal" (1993), de considerable éxito. Allí se encuentra el glorioso hit "Playas Oscuras" que demuestra los dotes de composición de Pandolfo y su certera poesía.

Producido por Andrés Calamaro, al año siguiente lanzan "Espiritango". Un gran y extenso trabajo que transita por muchos y diferentes terrenos y dialoga de diversos temas. En "Espiritango" hay de todo: desde la balada pop hasta el punk y el heavy metal, desde el folclore  hasta ritmos tecno, un verdadero abanico de estilos. Por supuesto que las letras de Pandolfo no se quedan atrás, dando lo mejor de si, poeticamente hablando. Hablan de varios tópicos  poesía urbana/barrial, amor, odio, sexo, historia nacional y una particular visión acerca de la muerte. Todo esto sin perder esa irrefutable condición de cofradía que tenia la banda. Tan variado es el trabajo, que en momentos parece material de experimentación deforme, en otras material netamente crudo y hasta podemos hallar bellos arreglos.

Desde el comienzo se destaca "Gris Atardecer" que asoma como un lindo hit con reminiscencias de la "new wave" de los años 80´s. El tema hace gala de una poesía audiovisual muy bien lograda con la simpleza que merece catalogar de hit. Se Logran muy buenos riffs de guitarras en varios temas como por ejemplo "Mecánica Ciudad" y  en "Villa Dominico". Esta ultima parece describir el lugar en cuestión con una atmósfera heavy metal entre rasguidos de guitarras distorsionadas y descarnados gritos. Otra muestra de la influencias punkies es la caótica "Sopa Yanqui" un tema cantado con una exuberante exageración y velocidad extrema, al punto de no entenderse la letra. Es una clara burla de  Palo a la sociedad de consumo de una manera altamente irónica.

"El Deseo de Evita" y "Risa Roja" mantienen la tradición y revindican a Palo como un gran compositor de tango y folclore. La primera de aire milonguero y la segunda claros mensajes del altiplano con ritmos carnavalescos.

A partir del "El Ente" comienza una seguidilla de temas que no hacen mas que confirmar la magistralía del disco. "El Ente" es perfecta. Evoca con especial sutileza temas tan cotidianos y personales a punto de emocionar. Rústicamente y ritmicamente perfecta y como si fuera poco un elegante saxofón la acompaña.Y si hablamos de emocionarnos, no es para menos con la bellisima composición que hilvanan Los Visitantes inmediatamente: "Basta de Llanto". Una cruda balada que cuenta con la participación de Andres Calamaro en teclados. Palo canta tan inspiradamente que es para sacarse el sombrero sus gritos nos ponen la piel de gallina. Le siguen las dos ritmicamente correctas: "Mamita Dulce" y "La Pantera". Para añadir un toque mas de diversidad "Pájaro Vuela". Sacada de una pista de baile con maquinitas y loops una impronta "tecno-hippie". La voz principal es de la pareja de entonces de Palo, Karina Choen.

Los Visitantes presentaron "Espiritango" en el  Teatro Astros en agosto de 1995. También allí estrenaron algunos temas inéditos que formarían parte de siguiente trabajo en directo "En Caliente". La trayectoria de la banda seguiría con algunos cambios en su formación inicial , y con tres trabajos muy interesantes más: En caliente (1995), Maderita (1996), Desequilibrio (1998) y Herido de distancia (1999).
Luego la formación desaparece, pero otra interesante historia comenzaría, la gran carrera como solista de Palo.

Lista de temas:

1. La Musa
2. Gris atardecer
3. Patada sucia
4. Mecánica ciudad
5. El deseo de Evita
6. Guerra tras guerra
7. Villa Domínico
8. Somos el cielo
9. Guarda
10. Toda la nena
11. Risa roja
12. Sopa yanqui
13. La ondulación
14. El ente
15. Basta de llanto
16. Mamita dulce
17. La pantera
18. Pájaro vuela
19. Auto Unión
20. Tu secreto


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Carmen - Fandangos In Space (1973)

Una interesante formación británico/americana de los años 70´s a la cual se le han encargado de denominar a su estilo de varias maneras "Flamenco progresivo", "Flamenco rock" o también "rock de influencias andaluces". Esta ultima definición debido a la alta influencia de bandas como Triana, Smash, Storm, Alameda, Imán, Guadalquivir y muchas más.

Carmen se formó en Los Angeles por el perspicaz guitarrista de flamenco y cantante David Clark Allen y su hermana Angela Allen cantante y bailarina ambos influenciados por padre y madre guitarrista y bailarina de flamenco, respectivamente. Allí en Los Angeles se les uniría otro bailarín y cantante de origen español Roberto Amaral. Con la llegada de este ultimo que se decidió encarar un proyecto de iniciar una banda de rock con ritmos flamencos. Fue así que a principios de la década del 70 que viajan a Londres donde se les unió el bajista John Glascock y el baterista Paul Fenton. En medio de la gestación de una famosa corriente dentro del rock el "glam rock", Carmen se rodeaba con artistas de la talla de David Bowie, Marc Bolan (T. Rex) o Bryan Ferry (Roxy Music). En 1974 al regresar a USA debido al gran éxito de "Fandangos In Space", tuvieron la suerte de telonear a leyendas como Santana, Blue Öyster Cult y Electric Light Orchestra y al año siguiente a Jethro Tull.

Con una propuesta  parecida a la del Jethro Tull de la segunda mitad de los 70´s (pero obviamente una fusión de rock con el flamenco), Carmen lanza su primer trabajo titulado "Fandangos in Space" con la inmejorable producción de Tony Visconti sugerido por el  mismísimo David Bowie.
La clara intención de "flamenquear" al rock progresivo, se manifiesta en estado puro ya con un inmejorable comienzo para un disco: "Bulerias".  Una mini/suite de tres movimientos. Una introducción sin igual para un disco a un grito de: ahora!!!!!! le siguen contundentes bases de guitarras y bajos con destellos de moogs y un canto a lo "spainglish", donde podemos vislumbrar frases como: "Anda jaleo, jaleo/en el café de Sevilla/ they get down al tiroteo". Luego se demuestra las habilidades tanto como para la instrumentación como para el sonido del zapateo en el baile, para culminar con un tramo acústico que da pie a la intro del siguiente  "Bullfight". Un tema con muchos cambios de tiempos y texturas. Comienza con esta sección acústica para
luego deleitarnos con una gran base rítmica y buenos trabajos corales otra vez a lo "spaninglish", se destaca el uso del moog y  un segmento de la voz en la que Allen recuerda mucho a cantantes de las bandas de Frank Zappa. La letra habla de las corridas de toro y parecen emular los gritos del público cantados "shouts of Olé". En esa misma linea "Stepping Stone" se acerca mucho a un sonido "funk flamenqueado" con excelentes trabajos vocales y colchones de synths.

La apaciguante "Sailor Song" parece describir la vida de un marinero. Una vez más David Allen demuestra buen trabajo de guitarras acústicas y por supuesto los trabajos vocales de Angela Allen-Amaral-Glascock son determinantes. Allen nos demuestra su virtud no solo en la composición sino también su capacidad como arreglador de temas tradicionales es el caso de "Por Tarantos".

Con "Looking Outside (My Window)" disfrutamos uno de los momentos más prometedores del disco. Un tema en la linea de "Bulerias" (no por nada comienza con un extracto de esta misma) lleno de cambios de ritmos y fusión entre la psicodélia y el flamenco/prog que tan bien les sienta. Esta dividido en tres partes, comienza cantando todos a coro para dejar a Angela cantando solista pero acompañandola con sofisticados coros. Luego hacen gala una vez más del curioso "spainglish" para dejar a Amaral cantar enteramente en español. Más tarde, una bella sección de guitarra acústica de Allen para presentar al movimiento "Zorongo" (baile canto popular andaluz) que cambia para introducirse una vez mas con el movimiento del principio pero con castañuelas y zapateos incluidos. Una especie de balada a varias voces corona el final.

De Glascock y el baterista Fenton "Tales of Spain" propone en su comienzo de la mas pura cepa progresiva. Una ambiente ensoñado con arpegios que se dejan acariciar por matices de synths para lanzarse a un  sinnúmero de cambios de climas y texturas.
Otros dos grandes momentos son "Retirando" y "Fandangos in Space". La primera con una densa instrumentación con guitarras acústicas cortinas de synths, tarareos y un vibráfono a cargo de Roberto Amaral para culminar con un genial canto al unisono: "Retirandooo, anda vete , andaaa veteeee..." .La segunda en la linea la mayoría de los temas pero en su coda otra ves retoman el estribillo de "Retirando" pero con letra completa.


Carmen es una banda digna de recordar, lamentablemente de efímera trayectoria, solo lanzaron dos placas mas: "Dancing on a Cold Wind" (1975) con una portada con los cigarrilos "Gitanes" algo tìpico en el género (veáse Camel "Mirage"),  y "The Gypsies" (1976).
Las performances de Carmen en vivo presentaban a Amaral y a la bella Angela Allen bailando, zapateando y empleando castañuelas y otros instrumentos de percusión, en un escenario ampliado especialmente para la ocasiòn.
Debido a algunos sucesos desafortunados, como las malas decisiones por parte del manager y sumado a la lesión de Paul Fenton a caballo, hizo que Carmen se disolviera en 1975. Luego de la de disolución David Allen siguió siendo músico compositor a sueldo, componiendo por ejemplo para Agnetha de ABBA, también fue fotógrafo y se le diagnosticó cáncer de garganta en 1984. En 2007 lanza un disco  con reminiscencias de Carmen titulado "Widescreen". Roberto Amaral formó una compañía de discos llamada "Delicia Music" y también continuó haciendo y enseñando baile flamenco en Los Angeles. John Glascock ni bien se disolvió Carmen fue llamado por Ian Anderson para formar parte de Jethro Tull en 1975 para debutar con el gran album: TOO OLD TO ROCK `N´ ROLL: TOO YOUNG TO DIE! (1976) donde tambièn su pareja de entonces Angela Allen participò en coros. Angela Allen,  actualmente reside en Londres y  aporto voces en el mencionado "Widescreen". Lamentablemente , luego de grabar cuatro discos más con Jethro Tull , en 1979 a los jòvenes 28 años,  John Glascock fallece debido a una enfermedad congénita en el corazón. Paul Feton participó en un proyecto de Marc Bolan de T.Rex y tambièn en  una banda tributo al mismo.


Personal:

David Allen - voz, guitarras
Roberto Amaral - voces, vibrafono, footwork, castañuelas
Angela Allen - voces, mellotron, synth, footwork
John Glascock - voces, bajo
Paul Fenton - bateria, percusión


Lista de Temas:

01. Bulerias (Allen)
- a. Cante
- b. Baille
- c. Reprise
02. Bullfight (Amaral)
03. Stepping Stone (Amaral)
04. Sailor Song (Allen)
05. Lonely House (Allen)
06. Portarantos (Allen)
07. Looking Outside (My window) (Allen/Amaral)
- a. Theme
- b. Zorongo
- c. Finale
08. Tales Of Spain (Glascock/Fenton)
09. Retirando (Allen)
10. Fandangos In Space (Amaral)
11. Reprise Finale (Allen)

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Lynyrd Skynyrd - (Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd) (1973)

Lynyrd Skynyrd es una de las agrupaciones mas representativas del llamado "Rock Sureño", género que se caracteriza en exponer y mixturar al máximo la música country y los bluses con el rock n roll , de una manera singular. Si se escucha bandas de este sub-genero (sobre todo las de la decada de los 70) como Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers Band, 38 Special, The Outlaws, Marshall Tucker Band o ZZ Top, seguramente encontrará  un sello particular que los diferencia, a otras agrupaciones claves de la época.

Una de las características que marca a bandas de esta envergadura, como otras como por ejemplo Los Allman Brothers, es que sus destinos estan marcados por tragedias de accidentes vehiculares, logrando así que a sus integrantes los rotulen de mitos. Al igual que su compatriota Duane Allman, uno de los lideres de Lynyrd Skynyrd el cantante Ronnie Van Zant y sus compañeros de banda Steve Gaines, su hermana, la corista Cassie Gaines, un colaborador y piloto y copiloto fallecen al estrellarse en las afueras de Mississippi, el Convair 240 que transportaba a la banda de gira por USA en 1977. Los demás miembros lograron sobrevivir quedando gravemente heridos. Algo que llama poderosamente la atención es que uno de los temas más populares y representativos de la banda que es sin dudarlo "Free Bird", escrita  por Van Zant, y dedicada por supuesto a Duane Allman luego de su accidente en 1971, haya tomado carácter un tanto profético/apocalíptico para si mismo. Esto, en vista de su personalidad un tanto despreocupada, ¿o es que quizás tenia una visión de su propia muerte?... Cuenta la leyenda que a la banda antes del vuelo se le había informado que quizás habría problemas con el vuelo, a lo que Ronnie contestó: "¡Vámonos! De todos modos si hoy es tu día no vas a poder huir de él". Luego de estos trágicos sucesos la banda quedaría algo inactiva, hasta el año 1984, por impulso de el hermano de Ronnie, Johnny Van Zant.

Los orígenes de Lynyrd Skynyrd remiten a Jacksonville, Florida, EE.UU en el verano de 1964, se llamaban en un principio "My Backyard", formada por los jóvenes amigos Ronnie Van Zant como voz principal, Allen Collins y Gary Rossington en guitarras, Larry Junstrom en bajo y Bob Burns en batería. Estaban altamente influenciados por las raíces del blues sureño y el country, como así también al boom de la época que eran
las bandas pertenecientes a la llamada "Brtitish Invasion", como por ejemplo The Beatles, The Kinks, The Animals, The Yardbirds, Free, etc. Habían ganado cierto prestigio al ganar un concurso de bandas en 1968 lo que les permitió grabar su primer sencillo, el mismo año.

En 1970 y con el ingreso del tecladista Billy Powell la banda ya se llamaba Lynyrd Skynyrd. Nombre raro, si los hay, es una burla al profesor de gimnasia de la secundaria Leonard Skinner. Típica figura de autoridad que exigía llevar el pelo corto a los varones, cierta vestimenta, etc, etc. Las idas y venidas entre estos miembros y este profesor, llegaron a tal punto que uno de los padres asistió a la institución argumentando que su hijo estaba integrando una banda de rock que les hacia ganar dinero a la familia y debía lucir con el pelo largo como parte del "look" del rock n roll.  En 1970 la banda cambia entonces a "Leonard Skinner" y tiempo después cambia sus vocales por la "Y". Seguidamente lanzan el aquí presente flamante debut de 1973 Lynyrd Skynyrd (Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd).

Gran debut. Un clásico de clásicos en el género. Producido por Al Kooper “(Pronounced ‘Leh-’nérd ‘Skin-’nérd)” es un muestrario de lo que mejor saben hacer estos sureños, puro rock, rock n roll del bueno. Desde el comienzo ya se suceden inmortales riffs como los de " I Ain’t The One" para lanzarse al primer gran balada: "Tuesday’s Gone". Los solos de guitarras transmiten una tristeza tan bella y conmovedora, en parte ayudada por el acompañamiento de piano y también por una emulación de cuerdas a cargo de un melotrón ejecutado por Al Kooper. Otro tema de carácter de clásico es  "Gimme Three Steps" de inolvidable riff, donde son destacables las lineas de bajo y percusión, estas ultimas con la colaboración de Bobbi Hall. "Simple Man", la segunda balada del disco. Escrita por Van Zant al poco tiempo de fallecer su abuela. "Simple Man" es como una declaración de principios de como debe ser un "rockero sureño", la letra recuerda los valores que le inculcaba su madre.

Dosis de country y blues en "Things Goin’ On". Se destacan muchísimo los teclados, que hacen como un juego de tomar los controles de la canción en varias ocasiones, aportándole mucho swing. Lleva un mensaje social en contra de la segregación racial que azotaba en el Sur. No podía faltar el elemento acústico en un trabajo de este estilo, y para eso tenemos a "Mississippi Kid". Un  blues acústico al estilo Muddy Waters o algún que otro tema del disco "Led Zeppelin III" .Volvemos a riffes contundentes e impecables lineas rítmicas con "Poison Whiskey" , tema que habla de los daños de esta bebida que cumplía un papel importante en la escena del "Rock Sureño".

Y al final, nos sacamos el sombrero ante la gloriosa, espectacular, legendaria, inmortal, inolvidable, nostálgica, mágica, estremecedora y épica (y no alcanzan los adjetivos!!!), "Free Bird" el tema mas conocido de Lynyrd Skynyrd.  Todo un himno generacional. Es quizás uno de los mejores temas de la historia del rock, a la altura de "Stairway To Heaven". Varias cosas encontramos en "Free Bird". Básicamente esta dividida en dos. Comienza siendo una balada arrancando con unas guitarras acústicas y a la ves teclados al estilo "organo de gospel" a los que se le irrumpe magistralmente con una slide guitar a cargo de Gary Rossington, para luego darle pie a toda la delicia de la voz de Van Zant. Entre ráfagas de slide,  Ronnie se pone en la piel de un hombre de vida nómade que le dice a su mujer que debe dejarla.
Ya en el final de la segunda estrofa, una vez mas Al Kooper adiciona un  melotron para darle un efecto de cuerdas. A partir del minuto 4:43 la canción toma un vuelco inesperado. Esta es la parte dedicada al gran Duane Allman. "Free Bird " cambia de tiempo solo para mostrarnos una inmejorable duelos de guitarras de alrededor de 4 minutos, donde Allen Collins con su Gibson Firebird se lleva todos los aplausos.

"Free Bird" es un clásico de todos los tiempos. Ha sufrido varios cambios, entre 1973 y 1976 se sabe que se le ha agregado mas partes como por ejemplo mas duración al piano y por supuesto, mas tiempo para los solos de guitarra eléctrica. No nos podemos olvidar tampoco lo imponente que es su interpretación en vivo. Durante gran parte de los 70´s al duelo final de guitarras, a diferencia de esta versión de estudio, se le agregó una tercera guitarra, como la de 1976 con el fallecido Stevie Gaines que aporta lo suyo con su Gibson Les Paul Custom. Otra seña particular, es que luego del accidente de 1977,  las interpretaciones en vivo de "Free Bird" eran instrumentales. Hasta que en 1989 durante una gira,  Rossington le insistiò a Johnny Van Zant que la cante por primera vez. El solo de "Free Bird" fué ubicado en la tercera posición por la revista "Guitar World" en su lista de los 100 mejores solos de toda la historia. Otro galardón fue en 2006 cuando ingresó al legendario "Rock and Roll Hall of Fame".

Actualmente Lynyrd Skynyrd sigue al ruedo, siendo la ultima gira efectuada por la banda en agosto de 2012. El único miembro fundador es el guitarrista Gary Rossington, pero por supuesto con la prescencia de Jhonny Van Zant como vocalista.


Lista de Temas:

1. I Ain’t the One
2. Tuesday’s Gone
3. Gimme Three Steps
4. Simple Man
5. Things Goin’ On
6. Mississippi Kid
7. Poison Whiskey
8. Free Bird


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Carlos Gardel - Criollita Decí Que Sí (Su Obra Integral Vol.9)

Una vez más, el zorzal criollo nos propone un tema de lo mas usado. Canciones de amor e históricas declaraciones y por supuesto desengaños están a la orden del día en esta novena entrega.

La temática se asemeja a la de los volúmenes 4 y 2 "Las Mujeres Aquellas" y "Amores Difíciles", respectivamente  con historias de engaños, desilusiones y estereotipos de mujeres.

Desde el comienzo tenemos dos motivos "canción" del legendario binomio Gardel/Le Pera "Criollita decí que sí"  (hay quienes le llaman "cifra") y "Apure delantero buey", en esta ultima es bellísima y  resalta el importante acompañamiento de la orquesta de Terig Tucci. Gardel interpretó esta canción en la película "Cazadores de estrellas" estrenada luego se su muerte  en el año 1936.

La dolida  "La mariposa" es un estilo acompañado a tres guitarras. Una muestra más de la facilidad de Gardel para cantar el desdén y tristeza de los desengaños amorosos. "El sol del 25" asoma con su sentir patriótico. Un motivo folclórico, mas precisamente un "gato" que relata imágenes y sentimientos por  la llegada del 25 de mayo, Gardel recita con todo orgullo algunos hechos ya algo conocidos de la revolución de mayo.

Un especial y curioso motivo se desvela en la pegadiza "Me enamore una vez", una "ranchera" de Francisco Canaro. Relata una típica relación y toca un tema harto cansado, la letra reza: "Cuando quise yo quererte vos no me quisiste, y aura que querés prenderte, no te doy alpiste. Cuando loco te seguía y te perseguía, nunca te encontré, y aura que yo te he largado porque me has cansado me venís buscando, pero no hay de qué."

Otro motivo especial es sin dudas "Sanjuanina de mi amor", una "tonada" acompañada por cuatro guitarras . Lo particular es que en este tipo de motivos es que se hace hincapié en la voz. Para esto el zorzal criollo graba en playback sobre si mismo logrando una preciosa armonía vocal Gardel/Gardel.

El "triunfo" "La tropilla" relata a  un solitario paisano que elogia a su carreta . Refiriéndose a sus espuelas dice: "Sus rodajas ya no hincan, porque yo pienso, es cobarde el que hiere a los indefensos..."
No todo son muestras de sufrimientos y desengaños amorosos. La zamba "Criollita de mis ensueños" (también conocida como "Criollita de mis amores") de Gardel/Le Pera/ Batisttella, parece describir un gran momento de amorío de Gardel.

"El tirador plateado" o "Sos mi tirador plateado" es un "estilo", el primer estilo campestre y la primera canción grabada por Gardel el 2 de abril de 1912. Existen tres versiones. La primera, de abril de 1912, otra de 1917 y la presente en este volumen grabada el 6 de noviembre de 1933. Son curiosas todas las historias y misterios que enrondan a esta canción. Una de ellas cuenta que la letra, en  principio, se le atribuía a Gardel  y luego en co-autoría con José Razzano. Pero que luego se descubrió que gran parte de las estrofas fueron compuestas por el poeta gauchesco Oscar Orozco, quien firmaba como "Un Oriental",  para el poema "Retruco" que salió publicado, en su habitual espacio de la revista montevideana "El Fogón", el 15 de enero de 1900 (se piensa que allí también hay algún que otro poema del mismo Gardel oculto).

Es notable que Gardel haya sido un asiduo lector de "El Fogón", y en especial por los versos de "Un Oriental", ya que lo volvería a musicalizarlos en la "cifra" "Para quererte nací" presente en este volumen. Todo esto demuestra la afición del zorzal criollo por los sentimientos gauchescos, al incluir estos motivos como el "estilo", melodías típicas de los ambientes rurales rioplatenses (aires de raíces andaluces) que a veces reciben el nombre de "triste", "triste campero" ó "décima" y otras tantas veces confundidas con la "cifra".

Cantada a dúo con  José Razzano, Otra linda "zamba" que es por supuesto "Claveles mendocinos", Gardel elogia a esta tierra cuyana comparándola:  "Mujer buena y divina, cuyana hermosa ¡viva Mendoza!... ¿por qué será?... que lejos de mi tierra quiero a su sierra con sus claveles, hasta llorar."


Lista de temas:

1. Criollita Decí Que Sí

2. Apure delantero buey

3. La Mariposa

4. El Sol del 25

5. Me enamoré una vez

6. Gajito de cedrón

7. Sanjuanina de mi amor

8. Mi manta Pampa

9. La Tropilla

10. La Pastelera

11. Tu Diagnóstico

12. Criollita de mis ensueños

13. El Tirador Plateado

14. Para quererte nací

15. Claveles mendocinos

16. Ausencia

17. Mañanita de campo

18. Mirala como se va

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Su Obra Integral hasta la fecha:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX: "Criollita Decí Que Sí"

Fleetwood Mac - Rumours (1977)

Uno de los discos (si no el) mas vendidos de todos los tiempos por una banda de rock (junto a "The Dark side of the Moon" de Pink Floyd) , "Rumours" de Fleetwood Mac. El trabajo se lleva todos los laureles, no solo por su calidad , sino también por lo milagroso que fue su concepción y lanzamiento ya que fue concebido en medio de un sinnúmero de problemas matrimoniales y de adicciones entre los miembros de la banda , lo cual le dio una particular temática e intención a las canciones.

Fleetwood Mac es una banda en sus inicios británica , pero a través de los años cambió muchas veces de formaciones hasta el día de hoy ser un conjunto británico/estadounidense. Los miembros que siempre se mantuvieron fueron , justamente  los que componen el nombre de la banda: el baterista y percusionista Mick Fleetwood y el bajista John McVie a los que luego se les sumó la esposa de este ultimo la compositora, tecladista y cantante Christine Perfect (McVie). Desde 1971 a 1975 la banda atravesaría tiempos de crisis a nivel artístico era evidente que necesitaban un cambio de 360º . Fue así que en plena búsqueda de ingeniero de sonido y tras escuchar el disco de la dupla Buckingham/Nicks de 1974 , Mick Fleetwood le propone al guitarrista y compositor Lindsey Buckingham unirse a la banda ya que solo buscaba un guitarrista. Lindsey acepta pero con la condición de entrar a la formación  con su pareja  de entonces la cantante y compositora  Stephanie "Stevie" Nicks. El matrimonio aportaría una cuota mas country y un soft pop estilizado y sobre todo el importante trabajo de composición y pulido de las canciones que aportó Buckingham, y por supuesto todo el ángel de la voz y el desenfreno histriónico de Stevie. Esto se puede apreciar con el homónimo de la nueva formación de 1975 "Fleetwood Mac". Exitos como "Rhiannon", "Say you love me" y "Over my head" dan fè de ello.


Para cuando comenzaban las sesiones de grabación de "Rumours", en los estudios Record Plant de Sausalito, los matrimonios Nicks/Buckingham y McVie/Perfect (Christine McVie) se encontraban en pleno proceso de divorcio, como así también Mick Fleetwood de su mujer Jenny.
Muy a pesar de ello con "Rumours" confirmarían el gran momento compositivo, y sobre todo el factor anímico que tanto influyó en el mismo. Fue grabado en 1976 en varios estudios en Miami , en Los Angeles y en Holywood y como productores Ken Caillat y Richard Dashut. Saldría a la venta en febrero de 1977.
En las letras y los climas de las canciones se ven reflejadas las tensión reinante de las sesiones de grabación.  Estas experiencias le dan un climax como nadie lo hubiese podido plasmar, de ahí a el éxito abrumador de la placa.Y de ahí también el nombre "Rumours" debido a que en su plena concepción no cesaba de "rumorearse" la disolución... por suerte , como en otros tantos casos, el arte terminó imponiéndose.
Diría Buckingham al respecto: "Si uno observa el gran éxito que gozó "Rumours", creo que la repercusión va más allá de lo puramente musical. Algo más se expresaba con la música: la interacción humana, y que un todo es más que la suma de sus partes. Se podía sentir en los diálogos que se daban entre los miembros del grupo que trataban de cosas que nos estaban sucediendo en ese momento."

Musicalmente Fleetwood Mac no pierde su impronta bluesera/rockera aportada desde siempre por Mick y los McVie , pero esta ves le inyectan un pop estilizado, con influencias también de la música country de la mano de Nicks y Buckingham. Este ultimo de incansable perseverancia en exprimir cada tema desde la producción. Otro elemento a mencionar son las deliciosas armonías vocales que lograba el triplete vocal McVie/Buckingham/Nicks. Sus voces se entrelazaban y congeniaban exquisitamente.

"Second Hands News" promete con su carisma pop/rock e influencias del folk escocés e irlandés, con una base rítmica particular hecha con un snare (caja) y una silla y la parte de guitarra eléctrica acompañada vocalmente, aportándole una cuota mas pop. 

Enseguida asoma un gran éxito "Dreams" de Nicks. Stevie hace aquí gala a todo el ángel de su voz y quizás el trío vocal McVie/Buckingham/Nicks logra las mejores armonías. Un tema que nos demuestra lo bien que Buckingham arreglaba los temas de Nicks .

La acústica "Never Going Back Again" una breve canción que habla de una nueva relación que comenzaba a tener Buckingham. Una mirada positiva hacia el futuro.

Más sentimientos positivos a futuro con "Don`t Stop" un shuffle marchante de Christine. El tema seria el que acompañaba la campaña electoral de Bill Clinton años mas tarde. "Go your Own Way" el gran hit del álbum a diferencia de "Don´t Stop" o "Dreams" no era nada alentadora. Básicamente era Lindsey diciéndole a Stevie: vete ya!. Algo que marca esencialmente a la canción es el acompañamiento de guitarra acústica , que casi es imperceptible sino se le presta especial atención  Lo peculiar es que este acompañamiento brinda un contrapunto cohesivo entre las voces. Por supuesto el estribillo es muy pegadizo las tres voces otra vez se lucen. La base rítmica de Mick y John es inimitable, el bajo de este ultimo es sobresaliente. Una genialidad de Buckingham que no hubiese sido posible sin todos los Fleetwood aportando lo suyo.

Christine aporta intimismo con la bellísima "Songbird". Se decidió que el tema se grabaría en vivo en una sala de conciertos, por su acústica. En principio se grabaría en el Berkeley Community Theater, donde grabó alguna vez la gran Joni Mithchell, pero se encontraba ocupada. Finalmente se grabó en el Zellerbach Auditorium. La misma Christine diría sobre "Songbird": "... creo que trata de todos y de ninguno. Es como un pequeño himno y debe ser para todos. Diría que casi es como una pequeña oración.".

Con acreditación de autoría de todos los miembros de la banda "The Chain" hace gala de una perfecta discusión-musical de pareja. Grabada bajo, batería y guitarra en vivo, lo demás en estudio. El tema existía desde hace tiempo solo por un fragmento inolvidable de bajo de John McVie.  Buckingham quería terminar de componerlo solo, pero no pudo cerrarlo. Stevie Nicks aportó material de la época Buckingham/Nicks para terminarlo. 

"Silver Springs" de Stevie Nicks es un tema que en el LP original no estaba incluida por ser tan extensa. Dedicada a Lindsey comienza en plan acústico muy  suave terminando muy rockera . Tema bellisimo de lo mejor de las composiciones de Nicks. En su lugar se publicò "I Don`t Want to Know" tema muy interesante donde la pareja lleva a dúo la voz principal al puro estilo "Everly Brothers".

Otro gran riff de Christine es "You Make Loving Fun". Contiene una gloria de estribillo y el colorido de las voces se manifiesta en su máxima expresión. Habla de su  novio de ese momento que era el iluminador de la banda, que por razones obvias, era persona no grata en las sesiones de grabación.

"Oh Daddy" es una canción de Christine para Mick Fleetwood que por entonces era el único miembro con hijos. La compuso como muestra de admiración al integrante de la banda que siempre ante cualquier adversidad se mantuvo firme y sirvió (sirve) de cohesión y ejemplo para todos. No es extraño que Mick aprovechara para incluir diversos instrumentos de percusión, como por ejemplo castañuelas. Es bueno también remarcar que John McVie incluye improvisaciones de guitarra.

Cierra el disco la excéntrica "Gold Dust Woman" de Nicks . un tema oscuro, se podría decir que es como magia negra. Representa todo lo que era ella en ese momento, un ser como un ángel encantador, pero también lleno de dolor. El tema habla de las drogas, particularmente  de la cocaína pero con un dejo de esperanza. Diría Stevie, entre otras cosas: "Creo que nunca estuve tan cansada en mi vida como en esa època... Estar en Fleetwood Mac era como estar en el ejercito, habìa que entregar todos los dìas lo mejor, ser lo màs puntal posible. Aunque no hubiese nada que hacer, había que estar allí. "Gold Dust Woman" fuè mi forma de escribir sobre alguien que esta pasando por una crisis de pareja y toma muchas drogas. Alguien que trata de sobrevivir y salir adelante.". La estructura de los temas de Stevie como "Gold Dust Woman" permitía a los músicos de alma inquieta como Buckingham participar con más libertad. Lindsey le sumó varios instrumentos  a saber: clavicémbalo, dobro y un Fender Rhodes y tambièn una pista con unos raros aullidos. 

El factor drogas es muy influyente  en la composición de "Rumours". Era una época que el remolino de las drogas amenazaba con llevarse a cada uno de los miembros. Hay que aceptar también el contexto en el que se vivía: "el mundo de la música tenia algo expansivo, y las drogas tenían  especial protagonismo. En esa época era como una obligación. Hoy es menos común", así lo describió Buckingham. John McVie aportaría su visión al respecto: "En ese momento no sentíamos que estuviésemos haciendo algo malo. Todo nos parecía parte de nuestro estilo de vida. Mirándo hacia atrás, fue estúpido... En esa época era simplemente así."

Con respecto al sonido y a la producción del álbum, es certero decir que es uno de los discos en los que más se trabajó minuciosamente , se encuentra a la altura del "Songs in The Key of Life" de Stevie Wonder o de trabajos de Steely Dan. Hay que tener en cuenta que por esa época no existía el CD, y los productores y en especial Buckingham habían notado que por el proceso de pasado de las cintas de grabación, se producía un leve frotamiento que hacia perder los agudos en especial de la batería, como por ejemplo los platillos y todas las frecuencias altas. Afortunadamente tenían una copia de seguridad de la batería que sonaba mucho mejor que estas ultimas. Así es que se tomaron el trabajo de sincronizar todas las pistas de los otros instrumentos a esta copia de la batería. Lo grandioso es que como no existía el SMPTE (que sirve para pasar dos cintas en forma sincrónica) debieron realizarlo manualmente con un VSO que es un aparato que regula la velocidad de las cintas. Un trabajo de hormiga , sobre todo para el productor Ken Caillat que tardó alrededor de 14 horas en sincronizar todas las partes frescas de batería.

Un disco inolvidable, un gran éxito comercial, con más de cuarenta millones de copias vendidas a nivel mundial. Se mantuvo en lo más alto de la lista Billboard 200 durante 31 semanas no consecutivas. A pocos meses de su lanzamiento ya fue platino en Inglaterra y Estados Unidos. En 2012 "Rumours" es el decimocuarto disco más vendido de la historia en el Reino Unido y el sexto en Estados Unidos. Es bueno mencionar que la famosa serie de TV "Glee" ha sido influenciada con un episodio llamado "Rumours"´, donde aparecen algunas canciones del álbum, es bueno valorarlo ya que contribuye a que las nuevas generaciones conozcan la buena música de Fleetwood Mac.

Lista de Temas:

1. Second Hand News
2. Dreams
3. Never Going Back Again
4. Don't Stop
5. Go Your Own Way
6. Songbird
7. Silver Springs
8. The Chain
9. You Make Loving Fun
10. I Don't Want To Know
11. Oh Daddy
12. Gold Dust Woman

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Dreams Y You Make Loving Fun:

Caetano Veloso - Estrangeiro (1989)

A lo largo de su carrera podemos encontrar muchos Caetanos. Uno de ellos es un artista que supo mezclar la bossa, por ejemplo con la psicodelia y con el rock contribuyendo al nacimiento de aquel  importante movimiento llamado tropicalismo de finales de los 60´s .
Una de las mejores contribuciones en los años 80 para la música popular de Brasil .Disco muy elogiado no mucho después de su lanzamiento , por ejemplo por David Byrne (Talking Heads).

Producido por  Peter Sherer y Arto Lindsay (quienes también son co-compositores en "Jasper"), el bahiano se anima a juguetear con maquinas, añade algo de rock experimental y hasta canta en inglés.  De entre la alta calidad de músicos que lo acompañan en este álbum, podemos destacar a los dos percusionistas: Nanà  Vasconcelos y Carlinhos Brown.


Es notable desde el principio con el tema que le da nombre al trabajo. Quizás la canción mas importante. La misma contiene una hipnótica base rítmica rebosante de maquinas y efectos extraños que le brinda una excéntrica condición. Pero no es lo único que brilla en esta canción. La letra es extraña y polémica a la vez. El compositor obtiene una total abstracción poniéndose en la piel de un extranjero.Así logra observar mas detenidamente el caos en el cual se ve inmerso, lo que lo lleva a una máxima libertad en el uso de elementos para la creación artística, tanto en la poesía como por supuesto para la música. Caetano habla de otros tantos extranjeros-artistas (por ejemplo el pintor Paul Gauguin, o el antropologo Claude Levy-Strauss, entre otros) describiendo como era la relación amor/odio de los mismos hacia la Bahía de Guanabara (donde se encuentra el puerto de Rìo de Janeiro). Es notable como cambia la textura la poética/ musical de Veloso: inmediatamente ofrece para describir la belleza entre el caos reinante nombrando a otros tres artistas como Ray Charles, Stevie Wonder y su paisano Hermeto Pascoal. Un verdadero himno al caos.

Le siguen tres platos fuertes: "Rai das cores","Branquinha" y "Os outros românticos". La primera argumenta un  motivo pop , el compositor , utiliza un juego poético atribuyendo colores a objetos y a palabras, entre otras cosas. En la segunda se pone bossa-bossa con una bellísima  composición que contiene una curiosa intro en ingles ( los misteriosos ruidos escondidos no nos dejan de sorprender). "Os outros românticos" irónicamente (por el titulo) habla de los niños pobres en Brasil . Aquí el bahiano pone como ejemplo al protagonista de una famosa película "Pixote". La letra de la canción luego es repetida en su totalidad en
ingles, como queriendo que se sepa de estas problemáticas en todo el mundo.

En la linea de "Branquinha" ubicamos a , "Genipapo absoluto", "Etc." o "Este amor". Esta última dedicada a su ex mujer Dedé Gadelha y madre de su primer hijo MORENO VELOSO .

Otro gran momento es "Outro retrato" . Una canción dedicada uno de sus ídolos,  al compositor João Donato. Otra vez Caetano recurre a una especie de juego de palabras.
Pero sin duda alguna "Meia lua inteira" se lleva todos los aplausos. Compuesta por Carlinhos Brown , un alegre tema al estilo carnaval de Brasil, se destacan la aparición de birimbaos , ejecutados por Vasconcelos.

La portada del álbum es la reproducción de una pintura de Hélio Eichbauer  para el escenario de una obra de Oswald de Andrade montada en 1967 y llamada "O rei da vela".
Mas abajo compartimos el polémico video de "O Estrangeiro" grabado en Praia de Botafogo, Río de Janeiro, en 1989, con las actrices Regina Case y Paula Lavigne y muchos otros...


Lista de Temas:

1. O estrangeiro
2. Rai das cores
3. Branquinha
4. Os outros românticos
5. Jasper
6. Este amor
7. Outro retrato
8. Etc.
9. Meia lua inteira
10. Genipapo absoluto

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